Andrés De Rose descubre y formula conceptos para aprender sobre lo que es, lo que siente y lo que ve. Su manera de interpretarlos es a través de dibujos, pinturas, objetos e instalaciones.

Identificando las irregularidades de los fractales como enigma, realiza pinturas geométricas donde busca blancos desafiantes y negros profundos. El contraste primitivo y el silencio de los planos negros lo hipnotizan. Surge en esa profundidad el aura de un insecto inmóvil, lo inventa en un papel o una tela, piensa sus formas, texturas, brillos, opacidades, matices y lo deja que, como cualquier organismo vivo, se camufle según su entorno.

En esta obra hay también símbolos y piedras negras. Una piedra que esta fría se posa en el borde del boceto. Esta fría pero emana calor, opera en silencio sin que nadie la vea, lenta, sigilosa y precisa.

A Florencia Borowski le interesa explorar el cruce entre la naturaleza de los días y las visiones internas. Aquí dibuja con tinta china sobre papel una tierra fértil, donde una bandada de pájaros migra hacia el río, las semillas se abren para dejar salir sus brotes y una raíz levanta el asfalto. Lo más inesperado irrumpe.

Esta obra pertenece a su serie “Portales” y nos propone detener la mirada en los hechos cotidianos para permitir que surja la magia, un tiempo no lineal. Nos invita a atravesar el portal, y dejar que otra lógica se impregne en la tela, una coherencia distinta a la palpable del entorno, otro universo posible.

La naturaleza toda es el origen del hombre y de su construcción del mundo. Nada sería posible sin ella, toda la materia que día a día nos ofrece, con la gratuidad de lo sagrado, nos inspira a replicar esos valores en el mundo del trabajo.

Pintar para Gustavo Amenedo, es una necesidad vital. Su trabajo comienza en unos cuadernos donde utiliza técnicas mixtas, son reales “libros de artista” donde trabaja diariamente y donde su racionalidad de arquitecto se conjuga con su sensibilidad artística. Sus trabajos no requieren de explicación alguna, son sin duda directos.

A un paso de la abstracción, pero conservando fuertes acentos figurativos, esta obra da cuenta de la profunda y conmovedora vida interna de unos trabajadores en el momento de la calma y alegría compartida en el descanso del almuerzo. Las actitudes corporales, apenas esbozadas, reflejan por su sensibilidad y cálida carga humana, ecos exactos de un temperamento que sirve de dársena para que anclen en él las naves que inevitablemente andan a la deriva por los mares de la vida.

Francisco Estarellas nos propone el equilibrio inestable de una arquitectura para un habitar deshabitado. Presenta una pintura de gran formato realizada sobre un terciado de madera perteneciente a la serie Topografías del Vacío. Esta obra intenta reflexionar en torno a la idea de lo utópico, donde la ciudad y la razón chocan con lo irracional que renace continuamente en sus márgenes.

Entre yerros que ascienden y descienden por escaleras de construcciones inconclusas, entre la monumentalidad y la traslación de proyectos futuros, vallas y garitas, una suerte de pasado acecha observando por ventanas, marcos y aberturas-piletas de una arquitectura racionalista que sin embargo se rehúsa a producir sentido.

Vemos simulacros de construcciones provisorias y azarosas, sin cimientos… en ellos el artista nos remite al mundo simbólico del trabajo, allí donde nacen los proyectos arquitectónicos. Los puentes colgantes y las articulaciones entre diferentes objetos representan el lugar de los sueños que le dan sentido al accionar de los constructores y son motor de cambio.

Con el retrato como motivo predominante, Inés Ayerza toma elementos de la cultura popular del siglo XX como el cine, la música, la moda y el diseño para crear obras de estética pop-expresionista, configurando imágenes de alta intensidad, vibrantes y llamativas que se anteponen a un trasfondo melancólico y profundo.

Utiliza técnicas diversas como dibujo a lápiz y carbón, pintura acrílica, pasteles, tintas, diseño e ilustración digital, impresión, sublimación, transferencia y diferentes materiales no convencionales como telgopor, plásticos y silicona.

En Unión y Fuerza nos interpela e invita a reflexionar sobre la cultura del trabajo en nuestros días.

Juan Hoff reflexiona sobre la vitalidad y el movimiento intrínseco en la naturaleza que lleva al mundo a funcionar. Trabaja sobre el color y el movimiento.

Busca interpelar lo fundacional, lo elemental, para que la obra cobre vida e interactúe con el entorno que la rodea, con su espectador y su lugar expositivo. Sus trabajos no apuntan al entendimiento, no buscan cerrar sentido, sino que abren caminos abstractos hacia un impacto directo sobre la sensación.

Quiere que el mundo se anime a jugar con su obra, que la haga propia, que la manipule, que la modifique. Intenta acercar al espectador desde lo lúdico, diseña sistemas móviles de colores, sobre una base plástica, susceptible al tacto de quien la observe, permitiendo modificar lo que se ve, jugando con el abanico de composiciones colorimétricas que surgen desde el movimiento del cuadro.

Aquella primera inspiración en la naturaleza, aquellos bosques de líneas, cobran vida en la mano del espectador, se mueven y se modifican con la mirada y el tacto. El arte se vuelve vida. El mundo de la construcción se vuelve arte.

Letalí Linetzky utiliza el pixel-art, que consiste en partir el plano de la imagen en grillas regulares que funcionan como pixeles. Los colores se componen dentro de esos espacios para que, mirados a cierta distancia, creen en la retina la idea de una totalidad superadora a la suma de las partes.

En la obra 'Todos Uno', realizada para UOCRA, trabajó sobre los valores de la solidaridad y fuerza de equipo que existe entre los trabajadores de la construcción. Estos lazos que los hacen fuertes, tienen en su estructura las mismas conexiones que tienen los colores. Y aquí es donde la técnica y la idea se fusionan. Los colores sustancialmente diferentes, con características y temperamentos diversos, conviven y crean una unidad, una imagen que es más fuerte y potente que cada uno de ellos por separado. Los colores se solidarizan entre sí, como hermanos, se defienden, se cuidan y, finalmente, sin perder su singularidad, todos son uno y cooperan entre sí para construir algo más grande.

Martin Calcagno actualmente se encuentra trabajando con la unión de distintos materiales como el bronce, el vidrio soplado, la madera y el plomo. Su trabajo meticuloso, unido a temas como la naturaleza, lo romántico, lo cotidiano y lo kitsch dialogan de manera mágica u onírica.

Esta obra escultórica nos permite sumergir en el exquisito universo del artista donde el bronce y la madera superan su dimensión material. Paciente y metódico, los presenta a través de sus cualidades más expresivas: nobleza, elegancia, calidez, llevándolos a nuevas posibilidades expresivas, en las terminaciones perfectas de cada obra, en los pequeños detalles. La idea de “fetiche”, en un amplio sentido, circula por ella. Fetiche como aquello que se desea alcanzar con una voluntad obsesiva, fetiche como el proceso por el cual se le atribuye a las imágenes un valor simbólico y extraordinario por fuera de sí.

El pájaro es el portador de mensajes de unión y paz, la alianza que lleva en la boca representa el amor, la energía básica de toda sociedad humana y por tanto, del trabajo.

Martin Salinas propone un redescubrimiento de los espacios comunes de la experiencia cotidiana, apropiándose de imágenes preexistentes para conmover el sentido de la realidad. Recortes gráficos, recuerdos, puntos, líneas y colores se superponen en un mismo plano creando un espacio laberíntico.

Su obra plantea la creación de un espacio ficcional basado en la superposición y yuxtaposición de imágenes provenientes de diversas fuentes, enfatizado por las relaciones generadas entre forma y color. Tanto sus pinturas y dibujos como los objetos desbordan el plano bidimensional para explorar otras relaciones espaciales.

Colosos es un papel impreso calado donde lo contundente de la forma se impone a través del vacío. Ese vacío que antecede a cualquier forma, a cualquier objeto de la realidad. La forma prevalece en el hueco. Como la idea prevalece a la nada. Martin Salinas es arquitecto, como tal concibe la construcción como un arte, y busca en esta obra revelar la esencia y lo espiritual en lo geométrico de las construcciones y por ende, la esencia y lo espiritual en el mundo del trabajo.

Natalia Marcantoni ofrece postales de lo perecedero, realiza un inventario banal del entorno. Fotografía lo que se desintegra, sin denuncia, en silencioso estudio.

El espectador es invitado a descubrir fragmentos de pasado escondidos en pequeñas diapositivas, pedacitos de celuloide. Dentro de una nube de pixeles en una pantalla, aparecen imágenes digitalizadas del pasado, que son también historia, aparecen y pueden repetirse mil veces. En una toma el espectador evoca el pasado y lo mezcla con el presente mientras mira al futuro a través de la lente de Marcantoni. En ese momento, el instante se convertirá en pasado… y el pasado, el presente y el futuro se fundirán en uno. Para ella la fotografía es poesía, es discurso, es expresión. Por eso quiere hacer fotos.

Esta obra se denomina Alfredo. Alfredo comenzó a trabajar en un taller mecánico a los 13 años. Hoy tiene 67. Su vida es testimonio. Testimonio del esfuerzo, el compromiso, el valor y la importancia del trabajo. Por eso sus manos. En primer plano.

Roma Blanco es una artista asumiendo un rol de curandera que no cura, pero que emula curar. Ofrece su obra como una pseudo-medicina que aplica a su entorno, un código que formula con la intención de encontrar antídotos, una búsqueda pretenciosa y filantrópica de nuevas verdades. Se identifica con la metáfora, la ambivalencia, la ironía y el efecto. Quiere que su obra atraiga por su apariencia e involucre sensaciones morales y físicas. Que se inmiscuya en la esfera íntima de quien la mire.

En esta serie investiga códigos, lenguajes y símbolos provenientes de la química farmacéutica y la química del cuerpo, la geometría sagrada, la religión y el esoterismo.

Provoca su vinculación forzando la especificidad de sus campos, reuniéndolos en un alfabeto común. Propone en estos ensayos nuevas relaciones aparentemente arbitrarias, intuitivas, ajenas a la ciencia como la conocemos, que arrojan como resultado, formulaciones e hipótesis imprevistas e impensables.

Antes que las construcciones, están los proyectos. Antes que la materia, está la energía. La energía se mueve por lazos. Antes que la comunidad, están los valores humanos de unión y solidaridad.

Valeria Calvo trabaja con formas elementales del lenguaje arquitectónico, superpuestas, no de una manera simétrica, pero sí con equilibrio y regularidad en el conjunto.

El centro está sometido a la influencia de una fuerza rotatoria para hablar de una geometría depurada y no muy dogmática

La ambigüedad del espacio sigue siendo la única certeza.

Austeridad de materiales, estructuras aparentes y superficies planas, dan lugar a esa construcción progresiva, cambiante, constante.

El electrizante devenir de líneas zigzagueantes enrarece un espacio indefinible, donde referencias a la realidad invitan a pensar el mundo que habitamos, que intuimos.

Un terreno equívoco entre lo real y lo imaginario.

Toda su obra pareciera afirmar que en la vida, como en el mundo del trabajo, puede haber incertidumbre, pero lo que da firmeza es nuestra determinación y nuestra fuerza. A partir de allí se estructuran nuestros anhelos.